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Terme « fantaisies » utilisé tout d'abord 1737 chroniqueur d'art George Vertue pour décrire les peintures par Mercier de scènes de la vie quotidienne, mais avec des éléments d'imagination, invention ou raconter des histoires. Titres typiques ont été fille vénitienne à une fenêtre ou de la série The Five Senses. Popularised au moyen de copies gravées. Nom « fantaisies photos » données par Reynolds aux exemples suprêmes du genre produit par Gainsborough dans la décennie qui a précédé sa mort en 1788, mettant en vedette les enfants paysan ou mendiant en particulier.
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Johann Muschik d'abord utilisé le terme "Phantastischer realismus" (réalisme fantastique) dans les années 1950 pour décrire un groupe de peintres travaillant à Vienne, qui avait rencontré à l'Akademie der Bildenden Künste après la seconde guerre mondiale. Le groupe se composait de Arik Brauer, Ernst Fuchs, Rudolf Hausner, Wolfgang Hutter et Anton Lehmden et a été inspiré par leur professeur Albert Paris Gütersloh, qui peint des tableaux qui combinait la précision picturale des anciens maîtres qui s'intéressent à la psychanalyse et les mouvements artistiques modernes. La qui en résulte des images étaient des visions oniriques de l'inconscient, peint de façon réaliste. Une grande partie de l'art s'enracine dans les expériences traumatisantes de la seconde guerre mondiale, d'où les artistes a tenté de s'échapper dans leurs peintures fantastiques.
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Nom donné à la peinture de Matisse, Derain et leur cercle de 1905 à vers 1910. On les appelait les fauves — les bêtes sauvages — en raison de leur utilisation de couleurs stridentes et pinceau apparemment sauvage. Leurs sujets étaient très simplifiés afin que leur travail était aussi assez abstraite. Fauvisme peut être vu comme une extension extrême du post-impressionnisme de Van Gogh combiné avec le néo-impressionnisme de Seurat. Fauvisme peut aussi être vu comme une forme d'expressionnisme. Le nom a été inventé par le critique Louis Vauxcelles lorsque leur travail a été présenté pour la première fois au Salon d'automne à Paris en 1905. Les autres membres du groupe étaient Braque, Dufy, Vlaminck, Rouault.
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Signifie (Works Progress Administration) Federal Art Project. Programme gouvernemental de un américain à donner du travail aux artistes au chômage durant la grande dépression des années 1930. C'était un d'une succession d'art programmes ensemble vers le haut, en vertu de la politique de New Deal du président américain Roosevelt pour lutter contre la dépression. En 1933 il a mis en place le projet de travaux publics de Art qui, en cinq mois, emploie 3 749 artistes qui produisent 15 633 œuvres d'art pour les institutions publiques. Photos devaient être les scènes américaines mais autrement les artistes reçurent une liberté totale. La Section du Conseil du Trésor de la peinture et Sculpture employé de 1934-43 artistes pour créer des peintures, des fresques et des sculptures pour l'embellissement des édifices fédéraux du patrimoine. De 1935 à 1939, le Trésor a également couru un système parallèle, le Fonds d'Art aide du Trésor. The Federal Art Project, administré par la Works Progress Administration, couru de 1935-43 et dans l'année suivant le début employait quelque 5 500 artistes, enseignants, concepteurs, artisans, photographes et chercheurs. Quelques-unes des œuvres plus importantes qui est sorti de ces projets étaient des peintures murales dans les bâtiments publics inspiré par l'exemple de le muralistes mexicains. Ces programmes ont donné un énorme coup de pouce à l'art en Amérique, pas moins en soulevant le moral des artistes et sont maintenant considéré comme ayant été un facteur crucial dans l'explosion de la créativité dans l'art américain après la seconde guerre mondiale (voir expressionnisme abstrait). Tate n'a aucun travaux depuis le Federal Art Project. Illustrés ici sont des œuvres d'artistes qui ont travaillé sur le FAP.
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Peut être défini comme l'art par des femmes artistes faits consciemment à la lumière de l'évolution de la théorie de l'art féministe depuis 1970. En 1971, l'historien de l'art Linda Nochlin a publié un essai révolutionnaire « Pourquoi ont il été sans grands femmes artistes? ». Dans il, elle étudie les facteurs sociaux et économiques qui avaient empêché des femmes talentueuses d'atteindre le même statut que leurs homologues masculins. Par dans les années 1980 art historiens tels que Griselda Pollock et Rozsika Parker allaient plus loin, pour examiner le langage de l'histoire de l'art avec ses termes genre tels que le vieux maître et le chef d'oeuvre. Ils ont questionné la place centrale du nu féminin dans le canon occidental, demandant pourquoi les hommes et les femmes sont représentées si différemment. Dans son livre de 1972 avait conclu les façons de voir la critique marxiste John Berger ' hommes regardent les femmes. Montre femme eux-mêmes à l'étude ". En d'autres termes Western art réplique les relations inégales déjà intégrées dans la société. Art féministe a suivi une trajectoire similaire. Dans ce qu'on appelle parfois l'art féministe première vague, femmes artistes délectés en expérience féminine, explorant l'imagerie vaginal et le sang menstruel, posant nue comme des figures de la déesse et un air de défi à l'aide de supports tels que des broderies qui avaient été examinées « travail des femmes ». , L'un des grands travaux emblématiques de cette phase de l'art féministe est The Dinner Party de Judy Chicago, 1974-79. Plus tard féministe artistes a rejeté cette approche et a tenté de révéler l'origine de nos idées de féminité et de la féminité. Ils ont poursuivi l'idée de la féminité comme une mascarade, un ensemble de postures adoptées par les femmes de se conformer aux attentes sociales, de la féminité.
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Depuis l'arrivée de l'art abstrait l'expression figurative a été utilisée pour désigner toute forme d'art moderne qui conserve de solides références dans le monde réel et en particulier à la figure humaine. Dans un général sens figuratif s'applique également a posteriori à tout l'art avant l'art abstrait. Art figuratif moderne peut être vu par l'opposition de réalisme moderne qu'art figuratif emploie des idiomes modernes, alors que les réalistes modernes fonctionnent en styles antérieurs post-impressionnisme (plus ou moins). En fait, art figuratif moderne est plus ou moins identique avec le courant de l'expressionnisme qui remonte à travers le XXe siècle et en général. Picasso après vers 1920 est le grand modèle dernier cri de la peinture figurative moderne, et Alberto Giacometti depuis environ 1940 est le grand sculpteur figuratif. Figuration après la seconde guerre mondiale peut être retracée à travers le œuvre de Francis Bacon, Lucian Freud et les autres artistes de l'école de Londres et par le biais de Pop art, Néo-expressionnisme et peinture de l'esprit nouveau.
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Français la phrase fin sens du siècle. Comme terme historique s'applique spécifiquement à la fin du XIXe siècle et même plus précisément à la Décennie des années 1890. Parapluie terme embrassant de symbolisme, de décadence et de tous les phénomènes (par exemple Art Nouveau) qui a atteint un sommet au cours de cette décennie. Presque synonyme des termes dix-huit-années 90, la décennie de Mauve, la décennie jaune, la coquine des années nonante. Fin de siècle exprime toutefois un sens apocalyptique de la fin d'une phase de civilisation. Esprit illustré en France par Toulouse-Lautrec et en Grande-Bretagne Beardsley et Conder. Real fin vint pas en 1900, mais avec la première guerre mondiale 1914. (Voir aussi Edwardian. )
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Le poète français du XIXe siècle Charles Baudelaire identifié le flâneur (poussette) dans son essai « le peintre de la vie moderne' (1863) des observateurs dilettante de la vie urbaine moderne, un personnage qui comporte de nombreux tableaux impressionnistes et a été repris au XXe siècle par les situationnistes.
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Un groupe international d'avant-garde ou collectif fondé et donné son nom en 1960 par l'artiste lithuanien-américain George Maciunas ; à l'origine pour un magazine éponyme mettant en vedette le travail d'un groupe d'artistes et compositeurs autour de John Cage. The Latin nom signifie coulant. En anglais, un flux est un écoulement. Maciunas dit que Fluxus visait à "promouvoir une inondation révolutionnaire et de marée dans l'art, de promouvoir l'art vivant, anti-art ». Cela a forts échos de Dada avec laquelle Fluxus avaient beaucoup en commun. Le groupe fusionné sur le continent, d'abord en Allemagne où Maciunas a travaillé pour l'armée américaine. Fluxus par la suite mis en scène une série de festivals à Paris, Copenhague, Amsterdam, Londres et New York au cours de laquelle figuraient des concerts de musique d'avant-garde et des représentations souvent répande au-dehors, dans la rue. Presque chaque artiste avant-gardiste de l'époque ont participé à Fluxus, comme Joseph Beuys, Dick Higgins, Alice Hutchins, Yoko Ono, Nam June Paik, Ben Vautier, Robert Watts, Emmett Williams, et il a joué un rôle important dans l'ouverture des définitions de ce que l'art peut être qui ont conduit au pluralisme intense et fructueuse, vu dans l'art depuis les années 1960 (voir par exemple l'art conceptuelArt Performance, Film & Video art, postmodernisme). Son heure de gloire était les années 1960, mais il continue toujours.
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Terme utilisé pour décrire le traitement d'un objet ou le corps humain dans une image dans la perspective de près du point de vue et perpendiculairement à la surface de la photo. Par exemple un corps vu depuis le sommet de la tête ou les pieds.
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