- Industry: Art history
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In Baroque art refers particularly to decorative schemes in buildings, especially ceiling paintings, in which the artist uses perspective and foreshortening to create, for example, the illusion that the ceiling is open sky populated by groups of figures such as saints, angels or whatever. Such effects are also sometimes referred to as trompe l'oeil, a French phrase meaning deceives the eye. More generally illusionism can refer to any painting which strives to achieve a high degree of mimesis, meaning imitation of reality. High levels of illusionism are typically found in seventeenth-century still life paintings. If the artist chooses subject matter that particularly lends itself to reproduction in paint on canvas (i. E. Is basically flat) the results can be exceptionally effective. An example is Edward Collier's A Trompe l'Oeil of Newspapers, Letters and Writing Implements on a Wooden Board. In modern art theory illusionism has been frowned upon on the grounds that it denies the basic truth of the flatness of the canvas. However, Surrealist artists such as Salvador Dalí and René Magritte have used it to great effect to evoke the alternative world of the unconscious mind.
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Un nuovo modo di dipingere il paesaggio e le scene della vita quotidiana nato in Francia con Monet e altri artisti all'inizio degli anni '60 del XIX secolo. Si basa sulla prassi di dipingere quadri finiti interamente all'aperto, invece di limitarsi a realizzare dei semplici bozzetti (di fatto il pioniere di questo movimento fu Constable, in Gran Bretagna, nel 1813-17). Il risultato è una maggiore consapevolezza della luce e del colore e la riproduzione mutevole della scena naturale. Le pennellate diventano veloci e spezzate in tocchi separati per poter rendere questi effetti. La prima mostra collettiva tenutasi a Parigi nel 1874 ha accolto con derisione l'opera di Monet 'Impressione, sole nascente', che ha dato il nome al movimento. Dal 1874 al 1886 sono state organizzate altre sette mostre. Alcuni artisti quali Camille Pissarro, Renoir, Degas e Manet, si trovano in una relazione leggermente marginale rispetto al nucleo centrale del movimento. Seconda generazione di Post-Impressionismo.
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Progettazione di beni di massa fabbricati in serie. Questo termine è stato usato per la prima volta negli Stati Uniti negli anni '20 del XX secolo per descrivere il lavoro di alcuni designer specializzati che si dedicavano alla progettazione di prodotti industriali. Nel 1913, l'introduzione da parte di Henry Ford della catena di produzione nell'industria automobilistica e, di conseguenza, la produzione in serie, ha portato alla nascita, in ambito artistico, di un movimento che ha tentato di fondere arte e tecnologia. Il costruttivismo in Russia e la Bauhaus in Germania si sono ispirati alla nuova era della macchina. Mettendo l'accento sulla forma in base alla funzione, hanno creato un design dalle forme astratte, geometriche.
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Usato fin dall'antichità per scrivere e disegnare, l'inchiostro oggigiorno è prodotto con carbone ed un agglomerante, ma nell'antichità proveniva da fonti animali e vegetali quali il ferro gallico e la seppia. Normalmente l'inchiostro è nero o marrone, ma può contenere anche coloranti o pigmenti. Viene utilizzato con pennelli o varietà di piume, penne o canne.
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Termine impiegato per descrivere opere d'arte a tecnica mista che occupano un'intera stanza o galleria, nella quale gli spettatori in genere possono entrare. Alcune installazioni tuttavia sono progettate in modo tale da poter essere contemplate girandovi tutt'attorno, mentre altre sono così fragili che possono essere osservate solo oltre una porta o dall'estremità opposta della stanza. L'arte dell'installazione nasce dalle prime forme di Arte Ambientale (Environment). Uno dei pionieri dell'arte ambientale è stato l'artista americano Allan Kaprow, con le opere create a partire dal 1957. In un'intervista aggiornata pubblicata nel 1965, Kaprow ha detto della sua prima installazione: 'Mi sono limitato a colmare il vuoto presente nella galleria. Aprendo la porta ti ritrovavi nel mezzo dell'installazione. I materiali erano i più svariati: fogli di plastica, cellophane sgualcito, grovigli di nastro adesivo, pezzi di smalti graffiati e macchiati e strisce di tela colorate. All'interno erano presenti anche luci appese e 'cinque riproduttori audio che propagano nello spazio circostante suoni elettronici che io stesso ho composto'. La miscela di materiali (tecnica mista), la luce e i suoni sono gli elementi fondamentali dell'arte dell'installazione. Da quel momento la creazione di installazioni diventa un filone centrale dell'arte moderna, soprattutto a partire dal 1990, e sono molti gli artisti a dedicarsi alla loro realizzazione. Nel 1961, a New York, Claes Oldenburg creò una delle prime installazioni, The Store, dalla quale deriva la sua opera 'Counter and Plates with Potato and Ham'. Uno dei più eminenti creatori di installazioni che si avvalgono della luce è James Turrell.
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Nel 1932 il Museo d'arte moderna di New York ha tenuto la prima Mostra di architettonica caratterizzato da architetti associati al movimento moderno. Stile internazionale fu il termine coniato dallo storico Henry-Russell Hitchcock e architetto Philip Johnson per il catalogo. La maggior parte degli architetti definiti dallo stile internazionale sono stati europea con una brigata tedesca considerevole emergenti dal Bauhaus, vale a dire Walter Gropius, Marcel Breuer, Ernst maggio, Erich Mendelsohn, Mies van der Rohe e Hans Scharoun; altri europei includevano Le Corbusier di Francia, Luigi Figini dell'Italia e Alvar Aalto finlandese. La maggior parte degli edifici definiti dallo stile internazionale era simile in quanto erano rettilinei, non decorato, asimmetrica e bianco, anche se dopo la seconda guerra mondiale, questo è stato modificato per una questione di economia nel trattare con la ricostruzione post-bellica e, successivamente, con l'introduzione di industriali in acciaio e vetro. Stile internazionale è visto come single-handedly trasformando la skyline di tutte le maggiori città del mondo con le sue semplici forme cubiche.
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In origine, termine francese riferito alla quiete delle scene casalinghe di Bonnard e Vuillard. Successivamente, utilizzato ampiamente per qualunque dipinto con lo stesso tema. Un esempio eccezionale è Gwen John.
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Uno dei principali tipi o generi dell'arte occidentale. Tuttavia, l'apprezzamento della natura per se stesso e la sua scelta come un soggetto specifico per l'arte è un fenomeno relativamente recente. Fino al XVII secolo paesaggio fu confinato allo sfondo di quadri, occupandosi principalmente di soggetti religiosi, mitologici o storici (pittura di storia). Nel lavoro dei pittori del Seicento Claude Lorraine e Nicholas Poussin, sullo sfondo del paesaggio ha cominciato a dominare i soggetti della storia che erano la base apparente per il lavoro. Loro trattamento del paesaggio, tuttavia, era altamente stilizzata o artificiale: hanno provato a evocare il paesaggio della Grecia classica e Roma e il loro lavoro è diventato noto come paesaggio classico. Presso lo stesso paesaggio olandese tempo pittori come Jacob van Ruysdael stavano sviluppando una forma molto più naturalistica della pittura di paesaggio, basato su ciò che hanno visto intorno a loro. Quando, nel XVII secolo, l'Accademia francese classificati anche i generi d'arte, esso paesaggio quarto posto in ordine di importanza di cinque generi. Tuttavia, pittura di paesaggio divenne sempre più popolare attraverso il Settecento, anche se l'idea classica ha predominato. Il XIX secolo, tuttavia, ha visto una notevole esplosione della pittura di paesaggio naturalistico, in parte guidato sembra la nozione che la natura è una manifestazione diretta di Dio e in parte l'alienazione crescente di molte persone dalla natura da una crescente industrializzazione e urbanizzazione. Gran Bretagna ha prodotto due collaboratori eccezionale di questo fenomeno in John Constable e JMW Turner. Il testimone passò poi in Francia, dove nelle mani del paesaggio impressionisti pittura diviene il veicolo per una rivoluzione nella pittura occidentale (arte moderna) e la tradizionale gerarchia dei generi crollato.
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Un processo di stampa basato sull'antipatia di grasso e acqua. L'immagine viene applicata a una superficie a grana fine (tradizionalmente pietra ma ora solitamente alluminio) usando un mezzo grasso: inchiostro grasso (tusche), disegnando, matite, lacca o materiali sintetici. Fotochimico o trasferimento processi possono essere utilizzati. Una soluzione di gomma arabica e acido nitrico viene quindi applicata su tutta la superficie, producendo acqua-ricettivo aree non stampabili e immagine grasso-ricettivo. La superficie di stampa è mantenuta umida, in modo che un rullo di carica con inchiostro oleoso può essere rotolato sopra la superficie e inchiostro solo bastone per l'area dell'immagine grasso-ricettivo. Carta viene quindi posizionato contro la superficie e la piastra viene eseguita attraverso una stampa. Litografia fu inventato nel tardo Settecento, inizialmente utilizzando calcare bavarese come la superficie di stampa. La sua invenzione ha permesso di stampare aree di tono rispetto a possibili con le precedenti tecniche di incisione e una gamma molto più ampia di marchi. Inoltre ha fatto stampa a colori più facile: zone di diversi colori possono essere applicati per separare le pietre e sovrastampate sul foglio stesso. Litografia offset coinvolge l'immagine su una superficie intermedia prima il foglio finale di stampa. L'immagine è invertita due volte e appare sul foglio finale allo stesso modo rotondo come la pietra o la piastra.
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Una miniatura è un piccolo dipinto, solitamente un ritratto. Miniature variano da circa tre centimetri di altezza a quanto più di venticinque centimetri e sono dipinti in acquerello o gouache su carta pergamenata, smalto, avorio o, spesso, una carta da gioco. In Occidente in miniatura dipinto è emerso al tempo del Rinascimento dai libri del manoscritto medievale pratica dell'illuminante (decorazione e illustrando). Il periodo di massimo splendore della miniatura fu dei secoli XVI e XVII. Miniature erano spesso racchiusi in casi ingioiellati e indossati come ornamento personale e come segno di fedeltà, sia politico o romantico, alla persona raffigurata. In Gran Bretagna pittura in miniatura fiorì la Corte della regina Elizabeth I (vedi Teatro elisabettiano) cui pittore di Corte Nicholas Hilliard è stato uno dei più grandi di tutti i pittori in miniatura. Gli succedette suo allievo e rivale Isaac Oliver. Il Victoria and Albert Museum di Londra, UK, contiene la collezione nazionale di miniature ritratto e miniature possono essere visto anche in Scottish National Portrait Gallery e la Wallace Collection. Più in generale, il termine in miniatura o in miniatura viene applicato a qualsiasi opera d'arte prodotta in una dimensione molto più piccola rispetto alla dimensione normale per quel tipo di lavoro.
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