- Industry: Art history
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Termo usado para descrever o tratamento de um objeto ou corpo humano em uma imagem vista numa perspectiva de perto do ponto de vista e perpendicularmente à superfície de imagem. , Por exemplo, um corpo visto de pés ou parte superior da cabeça.
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Em relação à arte a forma de termo tem dois significados. Primeiro refere-se ao formulário geral tomado pelo trabalho — sua natureza física. Em segundo lugar, dentro de uma obra de arte formulário refere-se ao elemento da forma entre os vários elementos que compõem uma obra. Pintura por exemplo consiste nos elementos da linha, cor, textura, espaço, escala e formato, bem como formulário. Escultura consiste quase exclusivamente de formulário. Até o surgimento da arte moderna, quando a cor se tornou sua rival, forma foi o elemento mais importante na pintura e baseou-se sobretudo sobre o corpo humano. Em tratar ou criar formulário na arte a artista pretende modificar aparências naturais para fazer um novo formulário que é expressivo, isto é, transmite alguma sensação ou significado em si. Em arte moderna aparições que cresceu a ideia que forma poderia ser expressiva, mesmo que em grande parte ou totalmente divorciado de aparições. Em 1914 o crítico Clive Bell cunhou o formulário significativo termo para descrever este (ver formalismo). a idéia desempenhada um papel importante na arte abstrata. Em 1914 os britânicos pioneiro Pintor abstracto David Bomberg escreveu: «apelo ao sentido de forma — onde eu uso forma naturalista eu ter despojado-lo de toda a matéria irrelevante ' meu objeto é a construção de forma pura. ' Mesmo espaço pode ter forma — o escultor Henry Moore observou uma vez que 'um buraco pode ter tanto significado de forma que uma massa sólida'. (Ver também Biomorphic. )
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Em geral, o formalismo do termo descreve a posição crítica que o aspecto mais importante de uma obra de arte é sua forma, ou seja, a forma como é feito e seus aspectos puramente visuais, e não seu conteúdo narrativo ou sua relação com o mundo visível. Em pintura, portanto, uma formalista crítico iria incidir exclusivamente sobre as qualidades de cor, pinceladas, forma, linha e composição. o formalismo como uma postura crítica surgiu em resposta ao Impressionismo e pós-impressionismo (especialmente a pintura de Cézanne) no qual ênfase sem precedentes foi colocada sobre os aspectos puramente visuais do trabalho. Em 1890, o pintor pós-impressionista e escritor sobre arte, Maurice Denis, publicaram um manifesto intitulado definição de Neo-Traditionism. Sentença de a abertura do presente é um dos textos mais amplamente citados na história da arte moderna: ' Lembre-se de que uma imagem, antes de que é um retrato de um cavalo de batalha, uma mulher nua ou de alguma história, é essencialmente uma superfície plana coberta de cores dispostas em uma determinada ordem. ' Denis sublinhou que o prazer estético era encontrado na pintura propriamente dito não seu assunto. Grã-Bretanha em teoria da arte formalista foi desenvolvida pelo pintor Bloomsbury e crítico Roger Fry e o Bloomsbury escritor Clive Bell. Em seu livro 1914 arte, Bell formulou a noção de forma significativa, que próprio formulário pode transmitir a sensação. Tudo isto levou rapidamente a arte abstracta, uma arte de forma pura. Formalismo dominou o desenvolvimento da arte moderna até a década de 1960 quando ele atingiu o seu auge na chamado Neo crítica do crítico americano Clement Greenberg e outros, especialmente em seus escritos no campo de cor pintura e Post pictórico abstração. Foi precisamente nesse momento que o formalismo começou a ser desafiado pelo pós-modernismo.
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Formato é tradicionalmente usado para descrever a forma ou proporções de apoio, por exemplo a tela de desenho, uma pintura ou outra obra de arte essencialmente plana, como um alívio. Os dois formatos tradicionais mais comuns para as pinturas são o retângulo horizontal muitas vezes referido como formato de paisagem e o retângulo vertical conhecida como retrato. Outro formato tradicional mas menos comum é o circular conhecido como o tondo. Formatos de square, por vezes, têm sido utilizados, nomeadamente por exemplo por JMW Turner e no vigésimo século Ad Reinhardt. o pintor abstracto que Piet Mondrian ocasionalmente usado uma tela quadrada pendurada por um canto como um diamante. Desde a década de 1960, em uma abordagem muito mais livre para formatar tornou-se evidente em alguns dos trabalhos de artistas como Frank Stella e Ellsworth Kelly e a forma da tela de desenho se tornou um elemento importante na composição da obra.
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Um objeto de origem natural ou humana (ou fragmento de um objeto) encontrados (ou às vezes comprado) por um artista e mantidos por causa de algum interesse intrínseco a artista vê nele. Encontrados objetos podem ser colocados em uma prateleira e tratados como obras de arte em si, bem como fornecer a inspiração para o artista. o escultor que Henry Moore recolhidos por exemplo ossos e pedras que ele parece ter tratado como esculturas naturais, bem como fontes de seu próprio trabalho. Encontrados objetos também podem ser modificados pelo artista e apresentados como arte, mais ou menos intacta no dadaísta e surrealista readymades de Marcel Duchamp artista, ou como parte de um conjunto. Como tantas vezes, que Picasso foi um originador, de 1912, quando ele começou a incorporar suas colagens cubistas jornais e coisas como caixas de fósforos e fazer suas construções cubista de vários materiais escamoteados. Uso extensivo de objetos encontrados foi feito por artistas dadaísta, surrealista e Pop e por artistas posteriores, como Carl Andre, Tony Cragg, Bill Woodrow, Damien Hirst, Sarah Lucas e Michael Landy entre muitos outros.
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Uma técnica de pintura mural desenvolvido na Itália desde o décimo terceiro século e aperfeiçoado na época do Renascimento. Dois revestimentos de gesso são aplicados a uma parede e secar. Sobre o segundo que desenho é desenhado em estrutura de tópicos. Para fazer a pintura, uma área da parede correspondente a trabalho um dia de é recentemente gessada e o design refez a juntar-se com as partes descobertas. Nesta área, em seguida, é pintada em enquanto ainda molhada, utilizando tinta à base de água. a tinta é absorvido o gesso molhado tornando-se parte integrante do mesmo, tornando-se assim uma técnica de mural durável. Algum retoque pode ser feito quando o gesso estiver seco mas todo afresco pintado em gesso seco é susceptível de descamar.
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Automatist surrealista técnica desenvolvida por Max Ernst em desenhos feitos a partir de 1925. Frottage é a palavra francesa para esfregar. Ernst foi inspirado em um antigo piso de madeira onde o Grão das tábuas tinha sido acentuada por muitos anos de scrub. Os padrões das graining imagens estranhas sugeridos a ele. Ele capturado pela fixação de folhas de papel no chão e, em seguida, esfregar por cima deles com um lápis macio. Os resultados sugerem misteriosas florestas povoadas com criaturas semelhantes a ave e Ernst publicou uma coleção desses desenhos em 1926 intitulado Histoire Naturelle (história natural). Ele passou a usar uma grande variedade de superfícies texturizadas e rapidamente adaptada a técnica de pintura a óleo, chamando-a de grattage (raspagem). Em grattage canvas é preparado com uma camada ou mais de tinta então colocado sobre o objeto texturizado que é então raspado sobre. Em Ernst Forest and Dove que as árvores parecem ter sido criado por raspagem sobre a espinha dorsal de um peixe.
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Movimento artístico lançado pelo poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti em 1909. Em 20 de fevereiro, ele publicou seu Manifesto do futurismo na primeira página do Jornal de Paris Le Figaro. Entre os movimentos modernistas Futurismo foi excepcionalmente veemente em sua denúncia do passado. Isso foi porque na Itália o peso da cultura passado foi sentido como particularmente opressivo. No Manifesto, Marinetti afirmou que 'nós será livre Itália de seus inúmeros museus que cobri-la como inúmeros cemitérios'. Que os futuristas propuseram em vez disso foi uma arte que comemorou o mundo moderno da indústria e da tecnologia: ' declaramos — uma nova beleza, a beleza da velocidade. Um carro de motor corridas — é mais bonito que a vitória de Samotrácia. ' (A celebrada escultura da Grécia antiga no Museu do Louvre em Paris. ) Futurista pintura usado elementos do Neo-Impressionism e do Cubismo para criar composições que expressaram a ideia do dinamismo, a energia e movimento, da vida moderna. Chief artistas foram Balla, Boccioni, Severini. Boccioni foi um importante escultor, bem como pintor.
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Arte feita por um sistema predeterminado que, muitas vezes inclui um elemento de sorte. a prática tem suas raízes no Dadaísmo, ainda foi o artista pioneiro Harold Cohen, que era considerado dos primeiros praticantes da arte generativa, quando ele usou robôs controlados por computador para gerar pinturas na década de 1960. , Mais recentemente, o vencedor do Prêmio Turner que Keith Tyson construiu um ArtMachine, um sistema recursivo complexa que gerou proposições detalhadas para obras de arte para Tyson fazer. Gerativa arte predominantemente é usado em referência a um certo tipo de arte feita na net, particularmente porque artistas conceber programas que podem ser acessados e controlados pelo público. Generative art também está associada com a arte do processo.
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Pinturas de temas da vida cotidiana, geralmente pequena dimensão. Desenvolvido especialmente na Holanda no século XVII, em geral com cenas da vida camponesa ou bebendo em tabernas. Assuntos do na Grã-Bretanha Hogarth morais modernos foram um tipo especial de gênero, em sua franqueza e muitas vezes morder sátira social. Mais simples pintura de gênero surgiram no final do século XVIII em por exemplo Morland G H Morland e Wheatley. Tornou-se imensamente popular na era vitoriana, seguindo o sucesso do trabalho brilhantemente qualificado mas profundamente sentimental de Wilkie. Pintura de gênero é um dos cinco gêneros ou tipos de pintura, estabelecida no século XVII.
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