- Industry: Art history
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El término que Arte Povera fue presentado por el crítico de arte italiano y Comisario, Germano Celant, en 1967. Sus textos pioneras y una serie de exposiciones claves proporcionan una identidad colectiva para un número de jóvenes artistas italianos, con sede en Turín, Milán, Génova y Roma. Arte Povera surgió dentro de una red de actividad cultural urbana en estas ciudades, como el milagro económico italiano de la inmediata posguerra que se derrumbó en un caos de inestabilidad económica y política. El nombre significa literalmente "arte pobre" pero los palabra pobres aquí se refiere a la exploración de la firma del movimiento de una amplia gama de materiales más allá de la cuasi-preciosos los tradicionales de la pintura al óleo en lona, bronce o mármol tallado. Arte Povera denota por lo tanto no un arte pobre, pero un arte sin ataduras, una situación de laboratorio en el cual cualquier base teórica fue rechazada en favor de una apertura total hacia los materiales y procesos. Destacados artistas fueron Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Piero Gilardi, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini y Gilberto Zorio. El apogeo del movimiento era de 1967-1972, pero su influencia en más tarde arte ha sido duradera. También puede verse como contribución italiana al Arte Conceptual.
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Complejo estilo internacional en arquitectura y diseño, paralelo al simbolismo en Bellas Artes. Desarrollado a través de la década de 1890 y traído a público más amplio por 1900 exposición universal de París. Caracterizado por la linealidad sinuosa y fluyendo formas orgánicas basadas en formas vegetales. En Gran Bretaña, Mackintosh contiene estas cualidades dentro de la geometría severa pero excéntrica. Estilo ejemplificado por las entradas de la estación de Metro de París por Guimard, vidrio Tiffany, sillas de Mackintosh y la Glasgow School of Art y diseños de libros de Beardsley, Charles Ricketts y seguidores como Arthur Rackham. Floreció hasta que mató a por la primera guerra mundial.
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El arte hecho según las enseñanzas de una Academia de arte. En el siglo XIX las academias de arte de Europa se convirtió en extremadamente conservadoras, resistiendo el cambio y la innovación. Llegaron a ser opuesto a la vanguardia y al arte moderno generalmente. El término académico así ha llegado a significar conservadoras formas de arte que ignoran las innovaciones del modernismo.
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En relación con el arte la forma del término tiene dos significados. Primero se refiere a la forma general adoptada por el trabajo — su naturaleza física. En segundo lugar, dentro de una obra de arte forma se refiere al elemento de forma entre los distintos elementos que conforman una obra. Por ejemplo la pintura se compone de los elementos de línea, color, textura, espacio, escala y formato así como forma. Escultura consiste casi exclusivamente en forma. Hasta la aparición del arte moderno, cuando el color se convirtió en su rival, forma fue el elemento más importante en la pintura y se basaba sobre todo en el cuerpo humano. En tratamiento o creación de formas en el arte el artista pretende modificar aspectos naturales para hacer una nueva forma que es expresiva, es decir, transmite una sensación o significado en sí mismo. En el arte moderno que la idea creció esa forma podría ser expresiva aunque en gran parte o totalmente divorciada de las apariencias. En 1914 el crítico Clive Bell acuñó la forma significativa de término para describir este formalismo (véase). La idea desempeñó un papel importante en el arte abstracto. En 1914 el británico pionero abstracta pintor David Bomberg escribió: ' hago un llamamiento a un sentido de forma — donde utilizo forma naturalista he despojado lo de toda la materia irrelevante ' mi objetivo es la construcción de la forma pura. "Incluso el espacio puede tener forma — el escultor Henry Moore dijo alguna vez que 'un agujero puede tener tanto significado forma como una masa sólida'. (Véase también biomórficas.)
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Formato se utiliza tradicionalmente para describir la forma o las proporciones de la ayuda, por ejemplo el lienzo, de una pintura u otra obra de arte esencialmente plana como un alivio. Los dos formatos tradicionales más frecuentes para las pinturas son el rectángulo horizontal referido a menudo como formato apaisado y el rectángulo vertical conocido como retrato. Otro formato tradicional pero menos común es el circular conocido como la tondo. Formatos cuadrados a veces se han utilizado, en particular por ejemplo por JMW Turner y en el vigésimo siglo Ad Reinhardt. El pintor abstracto Piet Mondrian ocasionalmente utiliza un lienzo cuadrado colgado por una esquina como un diamante. Desde la década de 1960 en un enfoque mucho más libre para formatear se hicieron evidentes en algunos de los trabajos de artistas como Frank Stella y Ellsworth Kelly y la forma de la lona se convirtió en un elemento importante en la composición de la obra.
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Automatist surrealista técnica desarrollada por Max Ernst en dibujos realizados a partir de 1925. Frotismo es la palabra francesa para frotar. Ernst fue inspirado por un antiguo piso de madera donde se ha acentuado el grano de las tablas por muchos años de fregar. Los patrones de la granulación sugieren imágenes extrañas a él. Él capturó estas poniendo hojas de papel en el piso y luego frotando sobre ellos con un lápiz de mina blanda. Los resultados sugieren que los bosques misteriosos poblados de criaturas parecidas a un pájaro y Ernst publicó una colección de estos dibujos en 1926 titulada Histoire Naturelle (historia natural). Él se encendió utilizar una amplia gama de superficies texturadas y rápidamente adaptó la técnica de pintura al óleo, llamándolo grattage (raspado). En grattage el lienzo se prepara con una capa o de pintura luego puso sobre el objeto con textura que luego se raspa sobre. En bosques y la paloma de Ernst los árboles parecen haber sido creada por raspado sobre la columna vertebral de un pez.
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Un término usado primero en Francia en el siglo XVIII para describir un tipo de pintura hecha de pigmentos forrados en goma soluble en agua, como acuarela, pero con la adición de un pigmento blanco para hacerlo opaco. Porcentajes más altos de aglutinante se utilizan que con acuarela y varias cantidades de pigmentos inertes tales como tiza se agregan para mejorar la opacidad. Gouache forma una capa más gruesa de la pintura en la superficie de papel y no permite el papel para mostrar a través de. A menudo se utiliza para crear reflejos en acuarela. Hoy en día el término 'Aguada' a menudo se utiliza libremente para describir cualquier dibujo realizado en color del cuerpo. Bodycolour es cualquier tipo de pigmento soluble en agua opaco; utilizadas por los artistas de finales del siglo XV. Plomo blanco fue utilizado hasta la introducción del óxido de cinc, conocido como blanco de China, en el siglo XIX.
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Los sucesos fueron acontecimientos teatrales creados por artistas, inicialmente en Estados Unidos, en la década de 1950 y principios de los sesenta. Fueron los precursores del arte de la Performance y a su vez surgieron los elementos teatrales de Dada y el surrealismo. El nombre fue usado primero por el artista estadounidense Allan Kaprow en el título de sus 1959 trabajo 18 Happenings en 6 partes que se llevaron a cabo en seis días, 4-10 de octubre de 1959 en la Reuben Gallery, Nueva York. Acontecimientos normalmente llevaron a cabo en un entorno o instalación creada dentro de la galería y participan de luz, sonido, proyecciones de diapositivas y un elemento de la participación del espectador. Otros notables creadores de sucesos fueron Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms y Robert Whitman. Sucesos proliferaron a través de los años sesenta pero dieron paso al arte de la Performance en el cual el foco estaba cada vez más en las actuaciones del artista. Un relato detallado de los acontecimientos tempranos puede encontrarse en el libro de Michael Kirby 1965, Happenings. Suite de 1960 de Jim Dine de huellas que el Crash se refiere a los dibujos que fueron apoyos para su suceso de 1960, el coche del accidente.
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Amíg a modern idők királyi bíróságok voltak a fő hangsúly a művészi védnökséget. Uralkodók alkalmazott saját számukra címek, mint a King's festő művészek, de ezek általában nevezik bíróság festők. Ezek lehetnek többek között a leghíresebb művészeit a nap folyamán: Nagy-Britannia Henry VIII importált Holbein, és Charles én jelöltem ki Van Dyck 'Szárnyai Paynter Őfelsége a'. Elizabeth azt ápolni az első bennszülött zseni a brit művészet, Hilliard. Charles épült egyik legnagyobb királyi művészeti gyűjtemény, és gazdagon pártfogásába a Művészetek általában.
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Olasz kifejezés ebben a formában angolul. Fordítása: világos-sötét, és hivatkozik a mérleg és a fény és árnyék, egy rajz vagy festmény. Chiaroscuro van általában csak jegyeztem fel, ha ez egy különösen kiemelkedő jellemzője az a munka, általában akkor, ha a művész használ szélsőséges ellentétek, a fény és árnyék.
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