- Industry: Art history
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Também descrito como ambientes, o termo é usado para descrever construções de mídia mista ou assembléias normalmente concebidas para um local específico e por um período temporário. Obras muitas vezes ocupam um espaço inteiro de sala ou galeria que o espectador invariavelmente tem de percorrer para se envolver totalmente com a obra de arte. Algumas instalações, no entanto, destinam-se simplesmente de ser caminhava ao redor e contempladas ou são tão frágil que só pode ser vistos de uma entrada ou uma extremidade de um quarto. Instalação arte surgiu a partir da forma antiga do ambiente. Um dos autores de ambientes foi o artista americano Allan Kaprow em obras feitas de cerca de 1957 em diante. Em uma entrevista sem data publicada em 1965 Kaprow disse de seu primeiro ambiente: ' eu simplesmente encheu a Galeria inteira — quando você abriu a porta você encontrou-se no meio de todo o ambiente — os materiais eram variados: folhas de plástico, amassado até celofane, emaranhados de fita adesiva, seções de esmalte cortado e daubed e pedaços de pano colorido. ' Também havia luzes penduradas dentro de tudo isto e ' cinco máquinas espalhadas ao redor do espaço jogado sons eletrônicos que eu tinha composto de fita. ' Mantiveram-se fundamentais para a arte de instalação diversos materiais (técnica mista), luz e som. Partir de que momento sobre a criação de instalações tornou-se uma vertente importante na arte moderna, cada vez mais de cerca de 1990, e muitos artistas fizeram-lhes. Em 1961 em Nova Iorque, Claes Oldenburg criou um ambiente de início, A loja, da qual seu contador e placas de batata e presunto vem. Um do excelente criadores das instalações que utilizem luz é James Turrell.
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O ato de criticando uma instituição como prática artística, a instituição geralmente sendo um museu ou uma galeria de arte. Institucional crítica começou na década de 1960 quando artistas começaram a criar arte em resposta às instituições que comprou e exibiu seus trabalhos. De in the 1960 a instituição de arte foi frequentemente percebida como um lugar de 'confinamento cultural' e, portanto, algo para atacar esteticamente, politicamente e teoricamente. Hans Haacke é um expoente da crítica institucional, particularmente visando financiamento e doações a museus e galerias. Em 1971, o Museu Wallraf-Richartz, Colónia rejeitou seu trabalho Manet-Projekt 74 de um de seus shows. o trabalho foi relacionada com a aquisição recente dos museus de bando de espargos de Edouard Manet e detalhada a proveniência do plano de fundo pintura e nazista do dador. De durante o 1990 tornou-se uma moda para discussões críticas a ser realizada por curadores e diretores dentro de galerias de arte e museus que centrou-se sobre este assunto, tornando a instituição não só o problema, mas também a solução. Isso mudou a natureza da crítica institucional, algo que se reflete na arte de Carey Young, que considera este dilema.
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Qualquer forma de gravura na qual a imagem é produzida por incisão na chapa de impressão e onde é a área que contém a tinta ou linha inciso. Métodos de em talhe-doce incluem gravura, drypoint, gravura e gravura em madeira.
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Em 1932 o Museu de arte moderna em Nova York realizou a primeira exposição de arquitectura com arquitetos associados com o movimento moderno. Estilo internacional foi o termo cunhado pelo historiador Henry-Russell Hitchcock e arquitecto Philip Johnson para o catálogo. a maioria dos arquitetos definidas pelo estilo internacional eram Europeu com uma considerável Brigada alemã emergindo da Bauhaus, nomeadamente Walter Gropius, Marcel Breuer, Ernst May, Erich Mendelsohn, Mies van der Rohe e Hans Scharoun; outros europeus incluíam Le Corbusier da França, Luigi Figini da Itália e Alvar Aalto da Finlândia. a maioria dos edifícios definida pelo estilo internacional eram semelhante em que eles eram rectilinear, decorada, assimétrico e branco, embora após a Segunda Guerra Mundial, este foi modificado por uma questão de economia em lidar com a reconstrução do pós-guerra e, mais tarde, com a introdução de industrial de aço e vidro. Estilo internacional é visto como single-handedly transformando os skylines de cada grande cidade do mundo com suas formas cúbicas simples.
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Originalmente, um termo francês aplicado a calma doméstica cenas de Bonnard e Vuillard. Desde amplamente aplicado a qualquer pintura de tal assunto. Um excelente exemplo é Gwen John.
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Termo usado para descrever a cultura do reinado de James I (reinou de 1603-25) particularmente teatro (e até mesmo mobiliário), bem como pintura. Grande isabelino miniaturista Hilliard continua mas sucedeu em favor real por Oliver. Similarmente Gheeraerts floresceu mas ultrapassado pelo naturalismo mais sofisticado do neerlandês Van Somer e, em seguida, Mytens (pronunciados mitenes) de cerca de 1616.
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Termo francês geralmente disse ter sido cunhado pelo crítico francês Philippe Burty no início dos anos 1870. Descreveu a mania de arte japonesa e design que varreu a França e em outros lugares depois de comércio com o Japão retomado na década de 1850, o país ter sido fechado para o Ocidente desde cerca de 1600. Design e arte de a redescoberta do japonês tinham um efeito quase incalculável na arte ocidental. o desenvolvimento da moderna pintura do Impressionismo em foi profundamente afetada pelo achatamento, cores brilhantes e alto grau de stylisation, combinado com assunto realista, de estampas de xilogravura japonesa. Design da mesma forma foi afetado em movimento estético e Art Nouveau. Transmissor de na Grã-Bretanha o artista principal era Whistler, mas o designer Christopher Dresser e o arquiteto William Godwin também eram importantes.
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Kinaesthesia é o sentido que detecta a posição corporal, peso ou movimento dos músculos, tendões e articulações do corpo. o termo passou a ser usado em relação à arte que lida com o corpo em movimento. Ele foi o primeiro associado com o Futurismo, que procurou para defender o dinamismo da idade moderna, descrevendo as pessoas e as coisas em movimento. As performances do coreógrafo norte-americano que Merce Cunningham também pode ser descrita como quinestético, porque seus dançarinos estão preocupados com a exploração do espaço através do movimento do corpo. Em 1973 Trisha Brown usado o horizonte de Manhattan como um palco para a sua peça de telhado de desempenho em que bailarinos transmitidos movimentos para outros dançarinos permanente em telhados em Nova York.
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A palavra significa cinéticos relativos ao movimento. Arte cinética é arte que depende do movimento para seus efeitos. Uma vez que os artistas do século XX têm sido incorporando movimento em arte. Este foi parcialmente explorar as possibilidades de movimento, parte ao introduzir o elemento de tempo, parcialmente para reflectir a importância da máquina e da tecnologia no mundo moderno, parcialmente para explorar a natureza da visão. Movimento quer foi produzido mecanicamente por motores ou explorando o movimento natural do ar em um espaço. Obras deste último tipo são chamadas de telefones celulares. a pioneiro da arte cinética foi Naum Gabo com sua onda estacionária motorizados de 1919-20. Celulares foram pioneiramente por Alexander Calder cerca de 1930. Arte cinética de se tornou um grande fenômeno da década de 1950 e 1960.
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Termo originalmente usado como o título de um artigo pelo crítico David Sylvester na edição de Dezembro de 1954 da revista encontro. o artigo discutido o trabalho dos artistas realistas conhecido como Beaux Arts Quartet, John Bratby, Derrick Greaves, Edward Middleditch e Jack Smith. Silvestre escreveu que seu trabalho 'leva nos de volta do estúdio para a cozinha' e descreveu seus súditos como fraldas 'um inventário que inclui todo o tipo de comida e bebida, cada utensílio e implementar, o habitual mobiliário simples e até mesmo os bebês' na linha. Tudo, mas a pia da cozinha? Cozinha pia também. ' Sylvester também salientou que essas cozinhas eram queridos ' na quais pessoas comuns cozinhados alimentos ordinários e sem dúvida viveram suas vidas normais. ' Celebração the Kitchen Sink pintores da vida quotidiana dos cidadãos comuns carrega as implicações de um bem social se não comentário político e Kitchen Sink art podem ser vistos a pertencer na categoria do realismo Social. Kitchen Sink atingiu seu apogeu em 1956 quando o Quarteto de artes Beaux foram selecionados para representar a Grã-Bretanha na Bienal de Veneza.
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