- Industry: Art history
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Los Vorticists eran un grupo vanguardista británico formado en Londres en 1914 por el artista, escritor y polemista, Wyndham Lewis. Su única exposición colectiva se llevó a cabo en Londres el año siguiente. Vorticismo fue lanzado con la primera edición (de dos) de la revista explosión que contenía entre otros manifiestos agresivos material dos por Lewis 'chorro' de lo que él consideraba ser el effeteness de la cultura y el arte británico y proclamar la estética vorticista: ' el nuevo Vortex se precipita al corazón del presente 'producimos una nueva abstracción viviendo'. Vorticista pintura combina la fragmentación cubista de la realidad con las imágenes con bordes duros derivada de la máquina y el medio ambiente urbano, para crear una expresión altamente eficaz del sentido Vorticists de la dinámica del mundo moderno. Fue en efecto un equivalente británico al futurismo, aunque con diferencias doctrinales, y Lewis era profundamente hostil a los futuristas. Otros artistas fueron Lawrence Atkinson, Jessica Dismorr, Cuthbert Hamilton, William Roberts, Helen Saunders, Edward Wadsworth y los escultores Jacob Epstein y Henri Goudier-Brzeska. David Bomberg formalmente no era un miembro del grupo pero produjo gran obra en un estilo similar. La primera guerra mundial trajo Vorticismo a su fin, aunque en 1920 Lewis hizo un breve intento de revivirlo con grupo X.
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En Gran Bretaña se establecieron planes oficiales para que los artistas grabar la primera y segunda guerras mundiales. Durante la primera guerra mundial, dos corrientes principales de la actividad produjeron arte oficial. El Imperial War Museum, establecido por ley del Parlamento en 1917, fue acusado de recoger todo tipo de material documentando la guerra, incluyendo arte. Mientras tanto, el gobierno también fue puesta en marcha y arte para crear un registro de y un monumento a la guerra a través de pinturas encargadas a los mejores y, en ocasiones, los artistas más vanguardistas, británicos del día de compra. Éstos incluyeron Percy Wyndham Lewis, Paul Nash, CRW Nevinson, John Singer Sargent, Stanley Spencer y Sir William Orpen. Al final de la guerra, estas colecciones fueron combinadas en el Imperial War Museum. Durante la segunda guerra mundial fue tomado un enfoque más estructurado a coleccionar foto oficial, cuando se estableció el Comité Consultivo de guerra artistas, presidida por Sir Kenneth Clark. Al igual que en la guerra anterior, las imágenes recogidas fueron exhibidas en Londres y en espectáculos de gira nacional e internacional. En 1946 se asignó una tercera parte de la colección para el Museo Imperial de guerra y el resto fue distribuido a los museos y galerías de todo el Reino Unido y la Commonwealth. Más de 300 artistas estuvieron involucrados, incluyendo a John Piper, Graham Sutherland, Henry Moore, Paul Nash y Stanley Spencer en el frente interno y Anthony Gross, Edward Bawden y Edward Ardizzone en el extranjero. Gran parte del trabajo producido fue más allá de documentación en el ámbito del arte y la galería de arte del Museo Imperial de guerra está bien merece una visita. El Museo continúa artistas guerra para grabar las guerras en las que Gran Bretaña está implicada la Comisión.
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Una imagen o marca en una hoja de papel visible cuando visto por luz transmitida. Se crea usando un patrón de hilo cosido en el molde en el cual se seca la hoja de la pulpa; el documento que se instala por encima de los cables es más delgado y tan más translúcidos. La imagen representa generalmente diseño del papelero de la marca o logotipo, a veces con un nombre, iniciales y fecha. Aunque más común en históricos documentos (a mano) moderno especialista grabado papeles a menudo contienen una marca de agua.
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El proceso de unir dos piezas de metal por reblandecimiento o fusión de las dos superficies a unir mediante la aplicación de calor.
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Se refiere a una cierta Galería estético que se introdujo a principios del siglo XX en respuesta a la creciente abstracción del arte moderno. Con un énfasis en luz y color, artistas de grupos como De Stijl y la Bauhaus preferían exponer sus obras contra las paredes blancas con el fin de minimizar la distracción. Las paredes blancas también fueron pensadas para actuar como un marco, como las fronteras de una fotografía. Una evolución paralela en arquitectura y diseño proporciona el entorno adecuado para el arte. El cubo blanco se caracterizó por su plaza o forma oblonga, paredes blancas y una fuente de luz normalmente desde el techo. En 1976, Brian O'Doherty escribió una serie de ensayos para Art Forum magazine, que más tarde se convirtió en un libro llamado dentro el cubo blanco, en el que se enfrentó a la obsesión modernista con el cubo blanco argumentando que cada objeto se convirtió casi sagrada en su interior, haciendo problemática la lectura del arte.
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Un método de grabado distinto de xilografía en que la línea es Incisa en el bloque de madera, más que el fondo está siendo cortado para dejar una línea en relieve. Es un método de huecograbado. Grabado en madera normalmente se efectúa en la veta de un bloque de madera de boj, que es muy difícil, y tan extremadamente fino detalle es posible. Grabado en madera se utilizó ampliamente en el siglo XIX como un método de reproducción de imágenes en libros, periódicos y revistas antes de la invención de los métodos de reproducción Foto-mecánica, pero ocasionalmente también fue utilizado por artistas como Edward Calvert, como un medio de grabado original.
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Un grupo artístico vanguardista ruso promovido a través de la revista del mismo nombre funcionó a partir de 1898 a 1905. Serge Diaghilev fue instrumental en la Fundación del grupo y organizar su primera exposición en San Petersburgo en enero de 1899. El grupo ofreció un foco para desarrollos post-impresionista, simbolista y estética en el arte ruso, con especial énfasis en la historia y el folclore de Rusia. Artistas incluyen Leon Bakst e Iván Bilibin; los recién llegados en la exposición final del grupo original en 1906 incluyen Alexei Jawlenski y Mikhail Larionov. La serie de exposiciones del grupo fue restablecida en 1910 por Alexandre Benois y funcionó hasta 1924; nuevos miembros incluyeron Chagall, Kandinsky, El Lissitzky y Tatlin.
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Worpswede es un pueblo situado en la hermosa campiña en Baja Sajonia, Alemania, cerca de la ciudad de Bremen. En 1889 los pintores Fritz Mackensen, Otto Modersohn y Hans am Ende se mudó allí y fundó una colonia de artistas. Worpswede pintura fue inicialmente en la tradición de plein air, pero más tarde adoptaron tendencias más modernas particularmente expresionismo. Desde el principio que estaban estrechamente conectados con Carl Vinnen, que vivía en su granja en Ostendorf, Bremerhaven. En 1892 se les unieron por Fritz Overbeck y en 1894 por Heinrich Vogeler. El más importante artista Worpswede temprano es considerado la pionera expresionista, Paula Modersohn-Becker, quien se mudó allí en 1898 y permaneció hasta su muerte en 1907. El poeta Rainer Maria Rilke fue una importante figura literaria que vivió allí desde 1900-2. Escribió un libro sobre la zona en la que describió como "una tierra extraña. Si uno está parado en la pequeña colina arenosa en Worpswede, uno puede ver que se extendió por todas partes, como los paños del agricultor que muestran profundamente vivas flores sobre un fondo oscuro. Se encuentra plana, casi sin un pliegue, y los caminos y las vías navegables llevan lejos en el horizonte. Allí comienza un cielo de variaciones indescriptibles y magnitud ". Después de la primera fase, Worpswede continuó atraer a artistas y hoy sigue siendo un foco para eventos artísticos y literarios.
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A finales de 1980 arte británico entró en lo que fue rápidamente reconocido como una fase nueva y emocionante distintiva, la era de lo que se conoció como los YBAs — los Young British Artists. Young British Art puede verse en la exposición organizada de congelación, mientras aún era un estudiante en el Goldsmiths College de Londres en 1988, a un punto de partida conveniente por Damien Hirst, que se convirtió en el más célebre, o notoria, de los YBAs. Orfebres, que fue atendido por muchos de los YBAs y contados Michael Craig Martin entre sus profesores más influyentes, habían sido desde hace algunos años fomentar nuevas formas de creatividad a través de sus cursos que, por ejemplo, abolió la separación tradicional de los medios del arte. La etiqueta YBA resultó para ser una marca potente y herramienta de marketing, pero por supuesto que oculta gran diversidad. Sin embargo se pueden discernir ciertas tendencias generales formales y temáticos. Formalmente, la época está marcada por una apertura total hacia los materiales y procesos con que el arte puede ser hecho y la forma que puede tomar. Destacados artistas han conservado animales muertos (Damien Hirst), aplastado objetos encontrados con una aplanadora (Cornelia Parker), se apropió de objetos de historia clínica (Christine Borland), presentados su propia cama como arte (Tracey Emin) hecho escultura de alimentos frescos, cigarrillos o medias de las mujeres (Sarah Lucas), hizo un uso extensivo de cine, video y fotografía, dibujo utilizado y grabado en todos los sentidos, cada vez más desarrollado el concepto de la instalación (obra multi-partes ocupando un espacio único)y no menos importante, renovado y revitalizado el arte de la pintura.
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Grupo cero o Group O, refiere a menudo simplemente como cero. Grupo alemán formado en Dusseldorf en 1957 por Otto Piene y Heinz Mack, se unió en 1960 por Gunther Uecker. Un número de otros artistas estaba asociado o exhibido con cero, destaca Yves Klein y Jean Tinguely, tanto Pol Bury como Daniel Spoerri. El nombre se refiere a la cuenta regresiva para el lanzamiento de un cohete y según el grupo pretende evocar ' una zona de silencio (de los cuales desarrolla) un nuevo comienzo ". Zero fue en reacción contra el carácter subjetivo de la prevaleciente tachismo o Art Informel y practica una forma de arte cinético usando luz y movimiento que se sentía abrió nuevas formas de percepción. Tres números de una revista, cero, fueron publicados, en abril y octubre de 1958 y de julio de 1961. El grupo se disolvió en 1966.
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