- Industry: Art history
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In Baroque art refers particularly to decorative schemes in buildings, especially ceiling paintings, in which the artist uses perspective and foreshortening to create, for example, the illusion that the ceiling is open sky populated by groups of figures such as saints, angels or whatever. Such effects are also sometimes referred to as trompe l'oeil, a French phrase meaning deceives the eye. More generally illusionism can refer to any painting which strives to achieve a high degree of mimesis, meaning imitation of reality. High levels of illusionism are typically found in seventeenth-century still life paintings. If the artist chooses subject matter that particularly lends itself to reproduction in paint on canvas (i. E. Is basically flat) the results can be exceptionally effective. An example is Edward Collier's A Trompe l'Oeil of Newspapers, Letters and Writing Implements on a Wooden Board. In modern art theory illusionism has been frowned upon on the grounds that it denies the basic truth of the flatness of the canvas. However, Surrealist artists such as Salvador Dalí and René Magritte have used it to great effect to evoke the alternative world of the unconscious mind.
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Un área de pintura espesa o textura, en un cuadro. Primer notable en pintores del Renacimiento veneciano Tiziano y Tintoretto, entonces en la pintura barroca, por ejemplo Rubens. Cada vez más notable en el paisaje del siglo XIX, naturalista y pintura romántica. Uso de empaste se convirtió en más o menos obligatoria en el arte moderno como el punto de vista arraigó la superficie de la pintura debe tener su propia realidad más que sólo ser una ventana hacia un mundo más allá de ilusionista Lisa. Con esto fue la idea de que la textura de la pintura y la forma de la BrushmanrkSleep podrían ellos mismos ayudar a transmitir la sensación, que son un tipo de letra, que directamente pueden expresar emociones o respuesta al tema de la artista. (Véase también gestual.) Un cuadro en que empaste es una característica prominente puede también dijo ser pictórico. Este término conlleva la implicación que el artista es revelling de la manipulación de la pintura al óleo sí mismo y hacer el máximo uso de sus propiedades sensuales. La idea de que el artista debe primero plano las cualidades innatas de los materiales de la obra como parte de su contenido es una central en el arte moderno y se resume en la verdad de la frase a materiales (véase también la talla directa).
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Un grupo radical de jóvenes artistas en el Institute of Contemporary Arts (ICA) de Londres. El grupo independiente, o IG, primero fue convocada en el invierno de 1952-3 y nuevamente en 1953-4. Era responsable de la formulación, discusión y difusión de muchas de las ideas básicas del arte Pop británico y de mucho otros británicos nuevos arte en la década de 1950 y principios de los sesenta. Destacados artistas involucrados fueron Richard Hamilton, Nigel Henderson, John McHale, Eduardo Paolozzi y William Turnbull. El IG también incluyó los críticos Lawrence Alloway y Rayner Banham y los arquitectos Colin St John Wilson y Alison y Peter Smithson (véase brutalismo). En 1953 el IG organizó la exposición paralelo del arte y la vida y en 1956 el innovador es mañana. Esta exposición en la Whitechapel Gallery de Londres fue una expresión de interés pionero de la IG en cultura popular y comercial. Como Alloway dijo: ' cine, ciencia ficción, publicidad, música Pop. Hemos sentido ninguno de la aversión del cultivo comercial estándar entre la mayoría de los intelectuales, pero lo aceptó como un hecho, discutido en detalle y consumían con entusiasmo ". Esta mañana está constituida por una serie de entornos y una gramola jugó continuamente.
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El acto de criticar a una institución como práctica artística, la institución suele ser un museo o una galería de arte. La crítica institucional comenzó en la década de 1960 cuando los artistas comenzaron a crear arte en respuesta a las instituciones que compró y expone su obra. En la década de 1960 la institución artística fue percibida a menudo como un lugar de 'confinamiento cultural' y así ser atacados estética, política y teóricamente. Hans Haacke es un exponente de la crítica institucional, especialmente dirigidos a la financiación y donaciones a museos y galerías. En 1971, el Museo Wallraf-Richartz, Colonia rechazó su obra Manet-Projekt 74 de uno de sus espectáculos. El trabajo estaba relacionado con la reciente adquisición de los museos de manojo de espárragos de Edouard Manet y detalló la procedencia del fondo pintura y Nazi del donante. Durante la década de 1990 se convirtió en una moda para discusiones críticas a celebrarse por curadores y directores de galerías de arte y museos que centran en este tema, con lo que la institución no sólo el problema sino la solución. Esto ha cambiado la naturaleza de la crítica institucional, algo que se refleja en el arte de Carey Young, quien considera este dilema.
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Cualquier forma de grabado en el que la imagen se produce mediante la incisión en la placa de impresión y dónde está la línea Incisa o área que contiene la tinta. Intaglio métodos incluyen aguafuerte, punta seca, grabado y grabado en madera.
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En 1932 el Museo de arte moderno de Nueva York celebró la primera exposición arquitectura arquitectos asociados con el movimiento moderno. Estilo internacional era el término acuñado por el historiador Henry-Russell Hitchcock y el arquitecto Philip Johnson para el catálogo. La mayoría de los arquitectos definidos por estilo internacional europea con una brigada alemana considerable emergiendo de la Bauhaus, a saber: Walter Gropius, Marcel Breuer, Ernst May, Erich Mendelsohn, Mies van der Rohe y Hans Scharoun; otros europeos incluyen Le Corbusier de Francia, Luigi Figini Italia y Alvar Aalto de Finlandia. La mayoría de los edificios definidos por estilo internacional era similar en eso eran rectilíneo, decoración alguna, asimétrico y blanco, aunque después de la segunda guerra mundial esto fue modificado por una cuestión de economía en el trato con la reconstrucción de posguerra y más tarde, con la introducción de vidrio y acero industrial. Estilo internacional es visto como solo transformar los horizontes de las grandes ciudades en el mundo con sus simples formas cúbicas.
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Originalmente, un término francés aplicado a las tranquilas escenas domésticas de Bonnard y Vuillard. Desde entonces aplicado ampliamente para cualquier pintura de dicha materia. Un ejemplo excepcional es Gwen John.
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Término francés general dice que se han acuñado por el crítico francés Philippe Burty en el 1870s temprano. Describió la manía del arte japonés y el diseño que se extendió a Francia y en otros lugares después de comercio con Japón se reanudaron en la década de 1850, el país de haber estado cerrado al oeste desde 1600. El redescubrimiento del arte japonés y diseño tuvo un efecto casi incalculable en el arte occidental. El desarrollo de la pintura moderna del impresionismo en fue profundamente afectado por la llanura, colores brillantes y alto grado de estilización, combinado con temática realista, de estampas japonesas xilografía. Diseño fue afectado de manera similar en movimiento estético y Art Nouveau. En Gran Bretaña el transmisor principal artista fue Whistler, pero también fueron importantes el diseñador Christopher Dresser y el arquitecto William Godwin.
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Kinaesthesia es el sentido de que detecta la posición corporal, el peso o el movimiento de los músculos, tendones y articulaciones del cuerpo. El término llegó a utilizarse en relación con el arte que se ocupa con el cuerpo en movimiento. Primero se asoció con el futurismo, que buscaba defender el dinamismo de la edad moderna por que representan a personas y cosas en movimiento. Las actuaciones del coreógrafo estadounidense Merce Cunningham también pueden ser descritas como kinésica, porque sus bailarines están preocupados con la exploración del espacio a través del movimiento del cuerpo. En 1973 Trisha Brown utiliza el skyline de Manhattan como un escenario para su actuación de techo en el que bailarines transmisión los movimientos de otros bailarines de pie en los techos a través de Nueva York.
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La palabra significa cinético relativos al movimiento. Arte cinético es el arte que depende de movimiento para sus efectos. Puesto que los artistas de principios del siglo XX han ido incorporando movimiento en arte. Esto ha sido en parte explorar las posibilidades del movimiento, en parte para introducir el elemento de tiempo, en parte para reflejar la importancia de la máquina y la tecnología en el mundo moderno, en parte para explorar la naturaleza de la visión. Movimiento tampoco ha sido producida de mecánicamente por motores o explotando el movimiento natural del aire en un espacio. Obras de este último tipo se denominan móviles. Un pionero del arte cinético fue Naum Gabo con su onda motorizada de 1919-20. Móviles se colonizaron por Alexander Calder desde 1930. Arte cinético se convirtió en un fenómeno importante de la década de 1950 y 1960.
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