- Industry: Art history
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Phase or branch of Symbolism in 1880s and 1890s and many artists and writers seen as both. Term came into use 1880s e. G. French journal Le Décadent 1886. Generally refers to extreme manifestations of Symbolism emphasising the spiritual, the morbid and the erotic. Decadents inspired partly by disgust at corruption and rampant materialism of modern world, partly by concomitant desire to escape it into realms of aesthetic, fantastic, erotic, religious. In art key influence from Rossetti and then Burne-Jones. Key artists abroad Khnopff, Moreau, Rops; in Britain Beardsley, Simeon Solomon. Key books Huysmans A Rebours (Against Nature) and Wilde Dorian Gray.
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Nombre de la revista fundada en 1917 en Holanda por los pioneros del arte abstracto, Piet Mondrian y Theo van Doesburg. Significa estilo en holandés. El nombre De Stijl también vino para referirse al círculo de artistas reunidos en torno a la publicación. De Stijl se convirtió en un vehículo para ideas de Mondrian en el arte, y en una serie de artículos en temas del primer año él define sus objetivos y utilizado, tal vez por primera vez, el término neoplasticismo. Esto se convirtió en el nombre para el tipo de arte abstracto, el círculo de Stijl y él practicaban. Se basaba en una geometría estricta de horizontales y verticales. Otros miembros del grupo incluyen Bart van der Leck, Vantongerloo y Vordemberge Gildewart, así como los arquitectos Gerrit Rietveld y J.J.P. Oud. Mondrian se retiró de Stijl en 1923 tras aprobación de Van Doesburg de elementos diagonales en su trabajo. Van Doesburg continuó la publicación hasta 1931. De Stijl tuvo una profunda influencia en el desarrollo tanto del diseño y la arquitectura moderna y el arte abstracto.
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Un término usado para describir la representación visual de la información, a menudo estadística. En el pasado esto era generalmente en forma de mapa o gráfico, pero los equipos hacen posible representar datos en forma animada e interactiva. Los artistas utilizan la visualización de datos como una manera de revelar y explorar aspectos ocultos de la sociedad como se manifiesta en nuevas formas de representación social como registros web. Un ejemplo de esto es el contenedor de basura, una obra de arte en línea ideada por Golan Levin con Kamal Nigam y Jonathan Feinberg, que utiliza datos de web logs para trazar la vida romántica de adolescentes.
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Se refiere a un episodio en la historia de la colonia de artistas en Gran Bretaña en St. Ives, Cornwall. Desde su fundación en 1927 el St Ives Society de artistas fue la sociedad dominante de la exposición de St Ives. En 1939 Barbara Hepworth, Ben Nicholson y Naum Gabo se mudaron a St. Ives formando el núcleo de lo que se convirtió en un fuerte grupo moderno en la colonia. De 1943 por el St Ives Society intentó integrar a los artistas modernos en sus exposiciones, pero en la práctica su trabajo tiende a ser colgado en los lugares menos prominentes en la iglesia anterior utilizado para las exposiciones. En 1947 los artistas modernos comenzaron a organizar exposiciones separadas más notable en la cripta de la iglesia. Llegó a ser conocidos como el grupo cripta. Hubo dos shows en 1947 y una tercera en 1948. La división entre los artistas modernos y tradicionales de St Ives fue confirmada más tarde en 1947, cuando el señor Alfred Munnings notoriamente reaccionario fue elegido Presidente de la sociedad. Sin embargo, también en 1948, los miembros del grupo cripta se convirtieron en miembros fundadores de la sociedad Penwith de Artes. Esto finalmente estableció una identidad separada para los artistas modernos en St Ives y el grupo cripta no tenía razón de existir. Los miembros principales incluyeron Wilhelmina graneros-Graham, Patrick Heron, Peter Lanyon, John Wells, Bryan Wynter.
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Hasta los tiempos modernos cortes reales fueron un foco importante de mecenazgo artístico. Reyes emplearon a sus propios artistas dándoles títulos como pintor del rey, pero generalmente son llamados como pintores de la corte. Podrían estar entre los artistas más famosos de la jornada: en Gran Bretaña Henry VIII importada Holbein, y Charles nombré Van Dyck 'Principalle Paynter en ordinario a sus Majestades'. Elizabeth nutrió el primer genio nativo de arte británico, Hilliard. Charles que construyó una de las más grandes colecciones de arte real y profusamente frecuentado las artes en general.
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Retrato de grupo informal, generalmente pequeña en escala, mostrando personas, a menudo las familias, a veces grupos de amigos, en configuración de jardín o interior doméstico. Niñeras aparecen interactuando con otros o con mascotas, tomando té, jugando. Contraste con corte o retrato de gran estilo. Parece que han evolucionado a principios del siglo XVIII para satisfacer la demanda de nuevas clases medias, aunque también ganó aristocráticos y reales de los clientes. Probablemente introducido en Gran Bretaña por Mercier aproximadamente 1725, popularizado por Hogarth, luego Devis y se puso muy de moda con Zoffany.
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Contenido generalmente se refiere a la materia, significado o importancia de una obra de arte, en contraposición a su forma. En el arte moderno la dramática sucesión de innovaciones en la forma de Impresionismo en adelante han significado que discusión de esto a menudo ha tomado precedencia sobre de contenido. En la década de 1960 y principios de los setenta el vuelo particularmente radical de las formas tradicionales del arte que dio lugar a lo que llegó a ser conocido como Arte Conceptual, dio lugar a trabajar en que forma y contenido fueron fusionadas en una nueva forma.
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Término introducido por Van Doesburg en 1930 'manifiesto del arte concreto"publicado en la primera y única edición de la revista Art Concret. Llamó a un tipo de arte abstracto que sería completamente libre de cualquier base en realidad observada y que no tendría implicaciones simbólicas. Afirmó que no había nada más concretos o más real que una línea, un color o un avión (un área plana de color). El artista suizo Max Bill más tarde se convirtió en el abanderado para el arte concreto organiza la primera exposición internacional en Basilea en 1944. Afirmó que el objetivo del arte concreto es crear ' en una cosas de forma visible y tangible que no existían anteriormente — para representar pensamientos abstractos en una forma tangible y sensual '. En la práctica concreta arte está muy cerca de constructivismo y hay un museo de constructivo y el arte concreto en Zúrich, Suiza.
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La noción de comunidad arte evolucionó en el post segunda guerra mundial era del concepto de democracia cultural - el término usado para describir las prácticas en las que la cultura y la expresión artística son generados por las personas y comunidades en lugar de las instituciones del poder central. Aunque había habido anteriores experimentos provisionales en lo que se conoce como arte comunitario, incluyendo por la hermandad prerrafaelita del siglo XIX, no fue hasta finales de 1940 que el concepto de arte comunitario surgido y comenzó a ser vista como una forma de poder a la gente. Iniciativas incluyen poner artistas visuales, actores y músicos para trabajar dentro de las comunidades para crear composiciones, obras de teatro y murales públicos. En la década de 1960, cuando fue visto cambio social posible, arte comunitario fue visto como una manera de dar una voz a la sociedad el derecho al voto.
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En la década de 1960 un grupo de artistas Pop comenzó a imitar las técnicas de impresión comerciales y el tema de las tiras cómicas. El pintor estadounidense Roy Lichtenstein llegó a ser famoso por crear pinturas inspiradas en Marvel Comics, incorporando y ampliando los puntos de Ben día utilizados en la impresión del periódico - rodea con negros contornos similares a los utilizados para ocultar imperfecciones en la prensa barata. Al mismo tiempo Andy Warhol también estaba usando imágenes de la cultura popular, incluyendo las tiras cómicas y publicidad, cual él repetidas veces reproducido, fila tras fila, en un solo lienzo hasta la imagen borrosa y se desvaneció. El pintor alemán Sigmar Polke también manipulado el punto día Ben, aunque, a diferencia de los diseños gráficos pulidos de Lichtenstein, puntos de Polke fueron splodges que parecía como accidentes pícaro en la sala de impresión. En una vena similar, Raymond Pettibon socavaba el espíritu de la tira cómica con sus dibujos salpicado de tinta y sardónico comentario inocente.
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