- Industry: Art history
- Number of terms: 11718
- Number of blossaries: 0
- Company Profile:
Όρος που εφαρμόζεται σε νέες μορφές της αφηρημένης τέχνης που αναπτύχθηκε από Αμερικανούς ζωγράφους στη δεκαετία του 1940 και του 1950. Το χρησιμοποιούσαν οι αφηρημένοι εξπρεσιονιστές βασίζονταν κυρίως στη Νέα Υόρκη, και έγινε γνωστή και ως το σχολείο της Νέας Υόρκης. Το όνομα θυμίζει το στόχο τους να κάνουν τέχνη που ενώ Περίληψη ήταν επίσης εκφραστική ή συναισθηματική στην επίδρασή της. Εμπνεύστηκαν από την υπερρεαλιστική ιδέα ότι η τέχνη πρέπει να προέρχονται από το ασυνείδητο, και από το αυτοματισμού του Μιρό. Εντός αφηρημένος Εξπρεσιονισμός ήταν δύο γενικές ομάδες. Αυτές ήταν οι λεγόμενες Ζωγράφοι δράση υπό την ηγεσία του Πόλοκ και De Kooning, και οι ζωγράφοι χρωματικών πεδίων, ιδίως Rothko, Newman και ακόμα. Οι ζωγράφοι δράση εργάστηκε με μια αυθόρμητη improvisatory τρόπο χρησιμοποιώντας συχνά μεγάλα πινέλα να γίνονται γενικόλογες χειρονομιακή σήματα. Pollock περίφημα τοποθετείται του καμβά στο έδαφος και χόρεψαν γύρω από αυτό ρίχνει χρώμα απευθείας από το δοχείο ή σύροντας από τη βούρτσα ή ένα ραβδί. Με τον τρόπο αυτό τοποθέτησαν άμεσα τους εσωτερικά ερεθίσματα στον καμβά. Οι ζωγράφοι πεδίο χρώμα ήταν βαθιά ενδιαφέρονται για θρησκεία και μύθος. Δημιούργησαν απλές συνθέσεις με μεγάλες περιοχές ένα μόνο χρώμα, που προορίζονται για την παραγωγή ένα στοχαστικό ή διαλογισμού απάντηση στην προβολή.
Industry:Art history
Η λέξη Περίληψη για να κυριολεκτήσουμε μέσα για να χωρίζουν ή να αφαιρεί κάτι από κάτι άλλο. Δεδομένου ότι η έννοια εφαρμόζεται στην τέχνη, στην οποία ο καλλιτέχνης έχει ξεκίνησε με κάποιο ορατό αντικείμενο και να αντληθεί στοιχεία από το να καταλήξουμε σε μια περισσότερο ή λιγότερο απλοποιημένη ή schematised μορφή. Όρος που επίσης εφαρμόζεται σε τέχνης χρησιμοποιώντας φόρμες που δεν έχουν καμιά πηγή καθόλου στην εξωτερική πραγματικότητα. Τα έντυπα αυτά είναι συχνά, αλλά όχι απαραίτητα, γεωμετρικά. Μερικοί καλλιτέχνες αυτής της τάσης προτιμούσα όρους όπως σκυρόδεμα τέχνη ή τέχνη της μη-στόχος, αλλά στην πράξη το αφηρημένο λέξη χρησιμοποιείται σε όλους τους τομείς και η διάκριση μεταξύ των δύο ούτως ή άλλως δεν είναι πάντα προφανής. Ένα σύμπλεγμα από θεωρητικές ιδέες που κρύβεται πίσω από την αφηρημένη τέχνη. Η ιδέα της τέχνης για την τέχνη-ότι η τέχνη πρέπει να είναι καθαρά για τη δημιουργία όμορφο εφέ. Η ιδέα ότι η τέχνη μπορεί ή πρέπει να είναι σαν μουσική — ότι όπως ακριβώς η μουσική είναι μοτίβα του ήχου, εφέ της τέχνης πρέπει να δημιουργηθεί από καθαρό μοτίβα, μορφή, χρώμα και γραμμή. Η ιδέα, που προέρχονται από το αρχαίος Έλληνας φιλόσοφος Πλάτων, ότι η υψηλότερη μορφή της ομορφιάς βρίσκεται όχι στα έντυπα του πραγματικού κόσμου, αλλά στη γεωμετρία. Η ιδέα ότι η αφηρημένη τέχνη, στο βαθμό που δεν αντιπροσωπεύει τον υλικό κόσμο, μπορεί να θεωρηθεί ότι αντιπροσωπεύει την πνευματική. Σε γενικές γραμμές η αφηρημένη τέχνη θεωρείται ως μεταφέρουν μια ηθική διάσταση, δεδομένου ότι φαίνεται να θέσει υποψηφιότητα για τις αρετές όπως η τάξη, την καθαρότητα, την απλότητα και την πνευματικότητα. Πρωτοπόροι της αφηρημένης ζωγραφικής ήταν Καντίνσκι, τον Malevich και Mondrian από περίπου 1910-20. Πρωτοπόρος της αφηρημένης γλυπτικής ήταν η ρωσική δομιστών Naum Gabo. Από τότε η αφηρημένη τέχνη έχει σχηματίσει μια κεντρική ροή της σύγχρονης τέχνης.
Industry:Art history
Μια τεχνική βαθυτυπία, η οποία χρησιμοποιεί χημική δράση για την παραγωγή εγχάρακτες γραμμές σε μια μεταλλική πλάκα εκτύπωσης. Η πλάκα, παραδοσιακά χαλκού αλλά τώρα συνήθως ψευδάργυρος, παρασκευάζεται με μια οξυανθεκτικό έδαφος. Γραμμές που σύρονται μέσω του εδάφους, εκθέτουν το μέταλλο. Η πλάκα στη συνέχεια εμβαπτίζεται σε οξύ και το εκτεθειμένο μέταλλο είναι «μεταδοθεί», παραγωγή εγχάρακτες γραμμές. Ισχυρότερη έκθεση οξύ και πλέον παράγει πιο βαθιά δαγκωμένο γραμμές. Αφαιρείται το Αντισταθείτε και μελάνι εφαρμοσμένος στις γραμμές βυθισμένο, αλλά να σβηστεί από την επιφάνεια. Η πλάκα στη συνέχεια τοποθετείται κατά χαρτί και πέρασε μια βαθυτυπία τύπου με μεγάλη πίεση για να μεταφέρουν το μελάνι από την εσοχή γραμμές. Μερικές φορές το μελάνι μπορεί να αφεθεί στην πλάκα επιφάνεια για να παρέχουν έναν ήχο φόντο. Χαλκογραφία χρησιμοποιήθηκε για τη διακόσμηση μέταλλο του 14ου αιώνα, αλλά πιθανώς δεν χρησιμοποιήθηκε για χαρακτικής πολύ πριν από τις αρχές του 16ου αιώνα. Από τότε έχουν αναπτυχθεί πολλές τεχνικές της χαρακτικής, που χρησιμοποιούνται συχνά σε συνδυασμό με το άλλο: μαλακό έδαφος χαρακτικής χρησιμοποιεί ένα μη-ξήρανσης αντισταθείτε ή το έδαφος, για την παραγωγή μαλακότερες γραμμές? σούβλα δάγκωμα περιλαμβάνει ζωγραφική ή πιτσίλισμα οξύ στο πιάτο? ανοιχτή δάγκωμα, στο οποίο οι περιοχές της πλάκας εκτίθενται σε οξύ με καμία αντισταθείτε? φωτογραφία-χαρακτικής (επίσης ονομάζεται ηλιοτυπίας ή heliogravue) παράγεται από επίστρωση τσίγκου με ένα φως ευαίσθητα οξύ-αντιστέκονται έδαφος και στη συνέχεια αυτό εκθέτει στο φως για να αναπαραγάγει μια φωτογραφική εικόνα. Αντισταθεί φάουλ δαγκώματος αποτελέσματα από τυχαία ή ακούσια διάβρωση του οξέος.
Industry:Art history
Συγκεκριμένα, και με ένα κεφαλαίο γράμμα, ο όρος συνδέεται με σύγχρονη γερμανική τέχνη, ιδίως η Brücke και ομάδες Blaue Reiter, αλλά υπό την στενή έννοια αυτή είναι καλύτερα γνωστή και ως γερμανικό εξπρεσιονισμό. Εξπρεσιονισμός ως γενικός όρος αναφέρεται στην τέχνη, στην οποία την εικόνα της πραγματικότητας είναι περισσότερο ή λιγότερο βαριά παραμορφωμένη μορφή και χρώμα για να καταστήσει την εκφραστική του εσωτερικά συναισθήματα καλλιτεχνών ή ιδέες σχετικά με αυτό. Σε τέχνη εξπρεσιονιστική χρώμα ιδίως μπορεί να είναι ιδιαίτερα έντονη και μη-νατουραλιστική, brushwork είναι συνήθως δωρεάν και εφαρμογή χρωμάτων που τείνει να είναι γενναιόδωρη και υψηλής υφής. Τέχνη εξπρεσιονιστική τείνει να είναι συναισθηματική και μερικές φορές μυστικιστική. Μπορεί να θεωρηθεί ως μια επέκταση του ρομαντισμού. Στη σύγχρονη μορφή του μπορεί να πει να ξεκινήσετε με Βαν Γκογκ και στη συνέχεια να αποτελούν ένα σημαντικό ρεύμα της μοντέρνας τέχνης που αγκαλιάζει, μεταξύ πολλών άλλων, Munch, Φωβισμός και Matisse, Rouault, Brücke και Blaue Reiter ομάδες, Schiele, Κοκόσκα, Κλέε, Beckmann, περισσότερες Πικάσο, Moore, Σάδερλαντ, μπέικον, Giacometti, Dubuffet, Baselitz, Kiefer, και του νέου εξπρεσιονισμού της δεκαετίας του 1980. Πήγε αφηρημένη με αφηρημένου εξπρεσιονισμού.
Industry:Art history
Ένα ψεύτικο ή πλαστογραφία είναι ένα αντίγραφο του ένα έργο τέχνης, ή ένα έργο τέχνης στο ύφος του μια ιδιαίτερη καλλιτέχνης, που έχει παραχθεί με την πρόθεση να εξαπατήσει. Ο πιο διαβόητο πλαστογράφος του εικοστού αιώνα ήταν ο Ολλανδός ζωγράφος Han Van Meegren, που έκανε μια σειρά από έργα ζωγραφικής που ισχυρίζονται ότι είναι από Jan Vermeer. (δείτε επίσης: ρεπλίκα)
Industry:Art history
Μπορεί να οριστεί ως τέχνη από γυναίκες καλλιτέχνες γίνονται συνειδητά λόγω της φεμινιστικής τέχνης θεωρία εξέλιξης από περίπου ως το 1970. Το 1971 ο ιστορικός τέχνης Linda Nochlin δημοσίευσε μια πρωτοποριακή δοκίμιο «Γιατί έχουν εκεί ήταν όχι μεγάλη καλλιτέχνιδες;». Σε αυτό εξέτασε οι κοινωνικοί και οικονομικοί παράγοντες που εμπόδιζε Ταλαντούχες γυναίκες από το να επιτύχουμε το ίδιο καθεστώς με τους άνδρες συναδέλφους τους. Από τη δεκαετία του 1980 οι ιστορικοί τέχνης όπως Griselda Πόλοκ και Rozsika Parker επρόκειτο περαιτέρω, να εξετάσει τη γλώσσα της ιστορίας της τέχνης, με τους όρους των φύλων-φορτωμένο όπως το old master και αριστούργημα. Αμφισβήτηση ως προς τη δεσπόζουσα θέση της το γυναικείο γυμνό σε δυτικών κανόνι, ζητώντας γιατί άνδρες και γυναίκες εκπροσωπούνται τόσο διαφορετικά. Το 1972 το βιβλίο τρόπους βλέποντας την μαρξιστική κριτικός John Berger είχε συνάψει» άνδρες Κοιτάξτε τις γυναίκες. Γυναίκες οι ίδιοι να εξεταστούν παρακολουθούν». Με άλλα λόγια δυτική τέχνη αναπαράγει τις άνισες σχέσεις ήδη ενσωματωμένο στην κοινωνία. Φεμινιστικής τέχνης ακολούθησε μια παρόμοια τροχιά. Σε αυτό είναι μερικές φορές γνωστό ως το πρώτο κύμα φεμινιστικής τέχνης, καλλιτέχνιδες revelled από μόνες στην γυναικεία εμπειρία, εξερεύνηση κολπική εικόνες και εμμηνορροϊκού αίματος, ως θεά στοιχεία που παρουσιάζουν γυμνό και προκλητικά χρήση μέσων όπως η κεντητική που είχε θεωρηθεί «γυναικεία δουλειά». Ένα από τα μεγάλα εμβληματικά έργα αυτής της φάσης της φεμινιστικής τέχνης είναι το πάρτι της Judy Chicago, 1974-79. Αργότερα φεμινιστική καλλιτεχνών απέρριψε αυτήν την προσέγγιση και προσπάθησε να αποκαλύψει την προέλευση των ιδεών μας της θηλυκότητας και της γυναικείας φύσης. Ακολούθησαν την ιδέα της θηλυκότητας ως μια μεταμφίεση — ένα σύνολο από ενέχει ενέκρινε τις γυναίκες να είναι σύμφωνες με τις κοινωνικές προσδοκίες της γυναικείας φύσης.
Industry:Art history
In relation to art the term form has two meanings. First it refers to the overall form taken by the work—its physical nature. Secondly, within a work of art form refers to the element of shape among the various elements that make up a work. Painting for example consists of the elements of line, colour, texture, space, scale, and format as well as form. Sculpture consists almost exclusively of form. Until the emergence of modern art, when colour became its rival, form was the most important element in painting and was based above all on the human body. In treating or creating form in art the artist aims to modify natural appearances in order to make a new form that is expressive, that is, conveys some sensation or meaning in itself. In modern art the idea grew that form could be expressive even if largely or completely divorced from appearances. In 1914 the critic Clive Bell coined the term significant form to describe this (see Formalism). The idea played an important part in abstract art. In 1914 the British pioneer abstract painter David Bomberg wrote: 'I appeal to a sense of form—where I use naturalistic form I have stripped it of all irrelevant matter 'My object is the construction of Pure Form. ' Even space can have form—the sculptor Henry Moore once remarked that 'a hole can have as much shape meaning as a solid mass'. (See also Biomorphic. )
Industry:Art history
In general, the term formalism describes the critical position that the most important aspect of a work of art is its form, that is, the way it is made and its purely visual aspects, rather than its narrative content or its relationship to the visible world. In painting therefore, a formalist critic would focus exclusively on the qualities of colour, brushwork, form, line and composition. Formalism as a critical stance came into being in response to Impressionism and Post-Impressionism (especially the painting of Cézanne) in which unprecedented emphasis was placed on the purely visual aspects of the work. In 1890 the Post-Impressionist painter and writer on art, Maurice Denis, published a manifesto titled Definition of Neo-Traditionism. The opening sentence of this is one of the most widely quoted texts in the history of modern art: 'Remember, that a picture, before it is a picture of a battle horse, a nude woman, or some story, is essentially a flat surface covered in colours arranged in a certain order. ' Denis emphasised that aesthetic pleasure was to be found in the painting itself not its subject. In Britain formalist art theory was developed by the Bloomsbury painter and critic Roger Fry and the Bloomsbury writer Clive Bell. In his 1914 book Art, Bell formulated the notion of significant form, that form itself can convey feeling. All this led quickly to abstract art, an art of pure form. Formalism dominated the development of modern art until the 1960s when it reached its peak in the so-called New Criticism of the American critic Clement Greenberg and others, particularly in their writings on Colour Field painting and Post Painterly Abstraction. It was precisely at that time that formalism began to be challenged by Postmodernism.
Industry:Art history
Μια τοιχογραφία τεχνική αναπτύχθηκε στην Ιταλία από σχετικά με το δέκατο τρίτο αιώνα και να τελειοποιήσει την στιγμή της αναγέννησης. Δύο παλτά του ασβεστοκονιάματος είναι εφαρμόζεται σε έναν τοίχο και να επιτραπούν για να ξεράνουν. Για το δεύτερο το σχεδιασμό σύρεται στο περίγραμμα. Να κάνετε το βάψιμο, μια περιοχή του τοίχου αντιστοιχεί σε μια ημέρα εργασίας είναι πρόσφατα μεθυσμένος και το σχεδιασμό εντοπιστεί να ενταχθεί στο Facebook με τα ακάλυπτα μέρη. Αυτόν τον τομέα είναι τότε ζωγραφισμένα πάνω ενώ ακόμα υγρό, χρησιμοποιώντας τα υδροχρώματα. Το χρώμα είναι απορροφώνται από το υγρό σοβά, να γίνει αναπόσπαστο μέρος της, καθιστώντας έτσι ένα ανθεκτικό τεχνική της τοιχογραφίας. Κάποια ρετουσάρετε μπορεί να γίνει όταν το ασβεστοκονίαμα είναι ξηρό, αλλά ένα ολόκληρο τοιχογραφία ζωγραφισμένη σε ξηρού γύψου κινδυνεύει να ξεφλουδίζομαι.
Industry:Art history
Καλλιτεχνικό κίνημα που ξεκίνησε από την ιταλική ποιητής Φιλίππο Τομάζο Μαρινέτι, το 1909. Στις 20 Φεβρουαρίου δημοσίευσε στην πρώτη σελίδα της εφημερίδας Le Figaro Παρίσι του μανιφέστο του φουτουρισμού. Μεταξύ μοντερνιστικά κινήματα Φουτουρισμός ήταν εξαιρετικά έντονα την καταδίκη του παρελθόντος. Αυτό οφείλεται στο γεγονός ότι στην Ιταλία το βάρος του παρελθόντος πολιτισμού έγινε αισθητός όπως ιδιαίτερα καταπιεστικό. Στο Μανιφέστο, Μαρινέτι υποστήριξε ότι «εμείς θα δωρεάν Ιταλία από τα αμέτρητα μουσεία που καλύπτουν την όπως αμέτρητες νεκροταφεία». Τι είναι οι φουτουριστές προτείνει αντιθέτως ήταν μια τέχνη που γιορτάζεται στο σύγχρονο κόσμο της βιομηχανίας και τεχνολογίας: «δηλώνουμε — μια νέα ομορφιά, την ομορφιά της ταχύτητας. Ένα αγωνιστικό αυτοκίνητο μηχανών — είναι πιο όμορφο από την νίκη της Σαμοθράκης. «(A γιόρτασε αρχαίας ελληνικής γλυπτικής στο Μουσείο του Λούβρου στο Παρίσι.) Μελλοντολόγος ζωγραφική χρησιμοποίησε στοιχεία των νεο-ιμπρεσιονισμού και του κυβισμού να δημιουργήσετε συνθέσεις που διετύπωσε την ιδέα της τον δυναμισμό, την ενέργεια και την κυκλοφορία, της σύγχρονης ζωής. Επικεφαλής καλλιτέχνες ήταν μπάλλα, Μποτσιόνι, Severini. Μποτσιόνι ήταν ένα μεγάλο γλύπτη, καθώς και ζωγράφος.
Industry:Art history
